L'utilizzo dei sette principi dell'arte e del design può aiutarti a produrre fotografie più dinamiche e accattivanti. Ma non è necessaria una laurea in apprezzamento dell’arte per sostenere questi principi. Anche una breve introduzione per migliorare le tue capacità di composizione fotografica.
In questo articolo, esaminiamo i sette principi dell’arte e del design. Esaminiamo cosa sono e come puoi utilizzarli nella fotografia. Questo articolo è solo un'introduzione, ma cerca i collegamenti ad articoli approfonditi nel testo.
IMMAGINE
Quali sono i 7 principi dell'arte e del design?
I sette principi dell'arte e del design sono equilibrio, ritmo, modello, enfasi, contrasto, unità e movimento.
Gli artisti utilizzano questi principi, in misura maggiore o minore, per rendere i loro pezzi visivamente interessanti. Ma questi principi non si limitano a pittori e grafici. I fotografi possono anche utilizzare questi principi per migliorare il proprio stile visivo.
Hai anche elementi di arte e design. Questi sono linea, forma, forma, spazio, valore, colore e trama. Questi sono gli strumenti che gli artisti visivi utilizzano per costruire le loro immagini. Sono elementi costitutivi di qualsiasi forma di arte visiva, inclusa la fotografia.
I fotografi possono creare un'immagine basata sulla teoria dell'arte applicando i sette principi dell'arte e del design. Diamo un'occhiata più da vicino a ciascun principio.
La Creazione di Adamo di Michelangelo dimostra una profonda comprensione dei sette principi dell'arte e del design.
1. Equilibrio
Il bilanciamento viene utilizzato per illustrare il peso visivo di un'immagine. Può unire una foto o creare una divisione. Puoi raggiungere l'equilibrio in tre modi:
- Simmetria :entrambi i lati di un'immagine riflettono lo stesso argomento, come un'immagine speculare.
- Asimmetria :Gli elementi contrastanti bilanciano l'immagine. Ad esempio, una superficie strutturata su un lato di un'immagine con una superficie liscia e opaca sull'altro.
- Simmetria dell'equilibrio radiale :Elementi equidistanti attorno a un punto centrale, come i raggi di una ruota di bicicletta.
Un'immagine attentamente bilanciata conferisce un senso di stabilità a una foto. Un'immagine sbilanciata crea disunità o disordini. Entrambe le applicazioni vanno bene, a seconda del risultato desiderato.
L'equilibrio è sensuale in quanto "sembra" sbagliato o giusto. Prova a spostare la fotocamera per ottenere prospettive diverse ed enfatizzare l'equilibrio in un'immagine.
Puoi anche provare a fotografare diversi campi di consistenza e colore. Non aver paura di sperimentare un po'.
L’equilibrio simmetrico di questa passerella crea profondità e guida l’occhio dello spettatore attraverso l’immagine. ©Stephen Crane
2. Ritmo
In molti modi, la composizione in fotografia è molto simile a quella che trovi nella musica. Il concetto fotografico di ritmo prende in prestito molto dalla teoria musicale.
Proprio come un musicista che legge le note su uno spartito, i soggetti presenti in uno spazio regolano il modo in cui vediamo una foto. Il ritmo determina la distribuzione ricorrente, organizzata o disorganizzata, degli elementi visivi di un'immagine.
Prova a visualizzare la notazione musicale per introdurre un senso di ritmo nella tua fotografia. Gli spazi negativi, le correlazioni e le differenze tra i soggetti in una foto come quella qui sotto riflettono le note su uno spartito.
© Sergej Kotenev
3. Modelli
I modelli danno un senso al mondo visivo attraverso la regolarità. Puoi trovare modelli ovunque, dagli oggetti artificiali e astratti al materiale organico.
L'occhio umano è calibrato per cercare schemi. Possono evocare reazioni emotive sorprendenti da parte di uno spettatore.
Gli elementi di progettazione possono essere organizzati in modo prevedibile per formare un modello. In poche parole, i modelli sono ripetizioni di elementi di arte e design. Funzionano all'unisono all'interno di un singolo fotogramma.
I pattern sono un principio attivo dell’arte e del design. Sollevano un'immagine dalla pagina. Usare i pattern nella tua fotografia significa tanto esplorare quanto la tecnica fotografica.
Prova a cercare caratteristiche architettoniche e urbane o soggetti organici come i fiori. Una volta che inizi a guardare, rimarrai stupito dall'abbondanza di schemi intorno a te.
© Kim Chan
4. Enfasi
L'enfasi modella il centro di interesse in un'immagine. Colore, spazio, trama e linea lavorano insieme per determinare il focus di un'immagine.
Esistono molti modi per creare enfasi in una foto. L'enfasi spaziale implica l'orientamento di un soggetto all'interno dell'inquadratura fotografica.
Un soggetto solitario situato al centro di un'immagine attirerà l'attenzione. È il componente più facilmente disponibile della foto. Il raggruppamento selettivo guida l'occhio dello spettatore verso punti focali particolari per un'immagine con molti soggetti.
Le dimensioni del soggetto determinano anche il modo in cui lo spettatore “leggerà” una foto. Un soggetto più grande suggerisce una vicinanza alla superficie dell'immagine.
Richiede maggiore attenzione rispetto a quella di un soggetto più piccolo sullo sfondo. Mostrare la scala racconta una storia sulla fisicità dei soggetti, aggiungendo profondità e prospettiva.
Il colore è un altro strumento che può coltivare l’enfasi. Un soggetto luminoso o colorato all'interno di una scena buia conferisce all'immagine un senso di vivacità e vita. Attira l'attenzione dello spettatore.
© Artem Kniaz
5. Contrasto
Il contrasto viene creato quando in una foto sono presenti due o più elementi opposti. Luce contro buio, caldo contro freddo. Ma il contrasto include anche elementi fisici.
La texture è un altro modo di utilizzare il principio del contrasto in fotografia. Includere due o più texture in un'immagine introduce tattilità e crea un senso del luogo.
Una goccia d'acqua rotonda appoggiata sui viticci pelosi di una pianta è un esempio di argomento testualmente contrastante.
Gli argomenti contrastanti portano la narrazione in una foto. Puoi anche provare a giustapporre attributi come nitidezza e morbidezza, vecchio e nuovo, oppure curvo e dritto.
6. Unità
L'unità descrive la relazione visiva tra gli elementi di un'immagine. Aiuta a creare un'immagine coerente. L'uso di colori, toni, concetti o elementi simili coltiva un senso di unità.
La disunità è l’opposto. Ritaglio errato, prospettive scomode, sovraesposizione o sottoesposizione. Tutto ciò disturba un'immagine e può causare disunità.
Un altro aspetto che sta alla base di un'immagine unitaria è l'idea chiara di un risultato fotografico. Un risultato fotografico, o obiettivo, è l'immagine mentale idealizzata di un'immagine prima che venga scattata.
Previsualizzando un risultato, un fotografo può sviluppare un'idea più chiara dello scopo di una foto. Ciò, a sua volta, consente al fotografo di avere un maggiore controllo dell'immagine.
©Jaspinder Singh
7. Movimento
Il termine “movimento” in fotografia descrive spesso la relazione tra la velocità dell’otturatore di una fotocamera e un soggetto. Quando si parla di arte e design, il movimento si riferisce al percorso che seguono gli occhi dello spettatore mentre legge una foto.
Gli elementi e i principi dell’arte e del design danno forma al movimento. Un fotografo può assumere il controllo del modo in cui uno spettatore assorbe un'immagine. Ad esempio, l'utilizzo delle linee in fotografia crea "autostrade visive" che guidano l'occhio dello spettatore.
Le linee frastagliate creano eccitazione, spostando lo sguardo dello spettatore da un punto a quello successivo. Le linee curve sono più sottili. Questi riducono la velocità con cui viene visualizzata un'immagine.
Comprendere la natura e la psicologia della vista umana è una parte importante del controllo del movimento.
Ad esempio, l’occhio umano è più sensibile a determinati colori rispetto ad altri. Il rosso attira l'attenzione. I soft blues sono più delicati e sottili. Il movimento può essere diretto attraverso l'uso selettivo del colore e della saturazione.
Esistono molti modi diversi per guidare l'occhio dello spettatore attraverso una foto. Il movimento studia la natura dell'occhio e la psicologia alla base del modo in cui assorbiamo le informazioni visive.
Conclusione:principi di arte e design
I sette principi dell'arte nella fotografia sono equilibrio, ritmo, modello, enfasi, contrasto, unità e movimento. Questi costituiscono il fondamento delle arti visive.
L'utilizzo di questi sette principi dell'arte e del design ti consente di avere un maggiore controllo sulla tua fotografia. Ciò porta a foto migliori che si distinguono e ti aiutano a riconoscere le opportunità fotografiche.