L'arte è di natura soggettiva. La sua definizione può variare da persona a persona. Ciò che sembra arte per uno può essere spazzatura per un altro. Dopo la street photography, la fotografia d'arte è il termine più discutibile. Che cos'è la fotografia d'arte?
Troverai un ampio dibattito su Internet sulla sua definizione. Tutto ciò fa sembrare scoraggiante iniziare a fotografare fine art, motivo per cui questo articolo ti guiderà attraverso tutto ciò di cui hai bisogno, dai suggerimenti da seguire ai cliché da evitare.
Cos'è la fotografia artistica?
L'aspetto più importante della fotografia artistica è la visione del fotografo. Non si tratta della realtà o di ciò che è davanti alla telecamera. Riguarda il messaggio o l'emozione che il fotografo vuole evocare quando qualcuno sta assistendo a quell'immagine.
La fotografia artistica a volte può essere molto diversa dalla realtà. Ma puoi comunque scattare immagini realistiche in stile documentario mentre fai fotografie artistiche.
Entriamo in una serie di suggerimenti e idee che puoi utilizzare per iniziare con la fotografia artistica.
1. Creare un corpo di lavoro coeso
Un corpo di lavoro significa una raccolta di immagini in qualche modo correlate tra loro. Potrebbe essere lo stesso tipo di materia o attività o anche uno stile di elaborazione. A volte una sola immagine non è sufficiente per trasmettere i veri sentimenti o la visione di un fotografo.
Ad esempio, ho creato un piccolo corpus di lavori chiamato Bustle. Ho raccolto 15 delle mie immagini che raffiguravano le attività delle persone che si affannano verso le loro destinazioni nella loro vita quotidiana.
Alcune delle immagini di quella raccolta sono sopra. Nota in ogni immagine come sono in movimento le gambe delle persone. Questa cosa è comune a tutte le immagini insieme allo stesso stile di elaborazione. Ed è così che sono correlati.
Per un lavoro dignitoso, raccogli almeno 10-15 immagini che sono fortemente correlate tra loro in un modo che lo spettatore possa facilmente identificare.
2. Segui il lavoro di famosi fotografi di belle arti
So che questo suggerimento è troppo ovvio. Lo odiavo anch'io all'inizio. Ma è la realtà che tutti dobbiamo affrontare.
La fotografia d'arte è una nicchia molto difficile e nessun libro, articolo o laboratorio può insegnarti meglio dello studio delle opere di famosi fotografi d'arte.
Prendi Annie Leibovitz, ad esempio, la famosa fotografa ritrattista d'arte. Utilizza uno stile di illuminazione unico insieme a colori e pose audaci. Josef Sudek e Philip-Lorca Dicorcia sono alcuni altri fotografi di cui dovresti dare un'occhiata.
Scegli un fotografo d'arte che ti piace e studia il loro corpus di lavori. Analizza come le loro immagini sono collegate tra loro. Scopri cosa li rende speciali.
3. Non fotografare solo in bianco e nero
So che la prima cosa che mi viene in mente della fotografia artistica è in bianco e nero. Ho incluso un elenco di cliché che le persone fanno nella fotografia artistica più avanti in questo articolo, ma poiché l'uso del bianco e nero è il peggiore di tutti, ne sto discutendo qui in dettaglio.
La maggior parte della fotografia artistica professionale è in nero e bianco. Ma questo è solo perché il bianco e nero riduce la distrazione e ti consente di concentrarti maggiormente sul messaggio di una fotografia.
Ma puoi comunque ottenere lo stesso con composizioni più pulite e ordinate. Dai un'occhiata a queste due immagini del mio progetto Standing Tall. Entrambe queste immagini sono state scattate in ambienti completamente diversi, ovvero uno in ambiente urbano e uno in ambiente rurale.
Grazie alle composizioni semplici, le versioni a colori sono molto migliori e più potenti del bianco e nero.
È il concetto che conta. Converti le tue immagini in bianco e nero solo se aggiunge davvero valore.
4. Prepara una dichiarazione dell'artista
Scrivere una dichiarazione dell'artista prima di iniziare un progetto è molto utile. Ti schiarisce la mente su cosa tratta il tuo progetto. Una volta che la tua dichiarazione è pronta, sarà facile per te cercare i soggetti e ridurre al minimo le distrazioni nelle tue immagini.
La dichiarazione dell'artista non deve essere piena di gergo tecnico o lunghi paragrafi. Sii breve e dolce.
Per cominciare, scrivi due o tre frasi che forniscano una panoramica del tuo progetto. Quindi spiega come queste idee vengono presentate nel tuo lavoro. Questo è tutto.
Ecco un esempio che ho usato per il mio progetto precedente Bustle.
I mercati e le fermate degli autobus sono i luoghi in cui trovi sempre persone di fretta. Stanno correndo verso le loro destinazioni. Non hanno tempo per fermarsi a pensare a cosa sta succedendo intorno a loro.
Mi piace catturare le persone quando le loro guardie sono abbassate. Il mio lavoro comprende fotografie in cui i miei soggetti sono persone che si affannano verso la loro destinazione. Tutte le immagini qui sono catturate in una forma puramente schietta.
Per le gallerie e altri spazi professionali, potresti aver bisogno di una BIO completa dell'artista o di una dichiarazione completa dell'artista, ma non rientra nell'ambito di questo articolo.
5. Usa la velocità dell'otturatore per alterare la realtà
Dato che la fotografia artistica riguarda la visione dell'artista, puoi utilizzare varie tecniche per enfatizzare il tuo messaggio . Questo potrebbe essere un tipo specifico di tecnica di post-elaborazione, nell'inganno della fotocamera o nella composizione.
Nell'immagine sopra, volevo porre l'accento sulla natura solitaria ma aggressiva dell'oceano. Una velocità dell'otturatore elevata come 1/200 di secondo potrebbe bloccare il movimento. Troppo lento e potrebbe aggiungere un senso di calma.
Sono andato con 1/15 di secondo, che aggiunge la giusta quantità di movimento.
Puoi usare questa tecnica per spostare persone, automobili , ecc., per alterare le scene e dar loro un significato specifico. Cerca di mostrare qualcosa che i nostri occhi non sono abituati a vedere nella vita reale.
6. Usa stili di elaborazione e gradazione del colore unici
Il bianco e nero è troppo comune. Tutti lo stanno usando. Avere uno stile di elaborazione o una gradazione del colore unici è molto importante per un fotografo di belle arti. Aiuta le persone a riconoscere il tuo lavoro.
Prendi il pittore Vincent van Gogh. Ha uno stile molto particolare nei suoi dipinti. Se lo conosci, probabilmente riconoscerai i suoi dipinti tra centinaia di altri dipinti. Questo è il potere di uno stile inconfondibile.
Non puoi creare un corpus di lavori solo sullo stile di elaborazione, ma avere uno stile coerente e unico aiuterà le tue immagini a diventare più coese e connesse.
7. Usa un soggetto per un intero progetto
Puoi utilizzare un argomento specifico per l'intero corpus di lavori o un mini progetto, se lo desideri . È un buon inizio per un progetto di fotografia artistica per principianti.
È facile da pianificare ed eseguire. I risultati sono più coerenti. E imparerai le basi concentrandoti su un solo argomento.
Christian Richter è un fotografo tedesco che ha realizzato una serie completa sui luoghi abbandonati in tutta Europa.
Vivo in un paese del Medio Oriente, l'Oman, che è pieno di antica architettura islamica. Così ho realizzato un progetto chiamato Arches of Oman e ho fotografato gli archi di vari edifici e moschee.
Puoi selezionare qualsiasi attività, luogo o tema specifico per iniziare il tuo primo progetto.
Evita questi cliché sulla fotografia artistica
Ho spiegato i suggerimenti e i trucchi di base per iniziare nella fotografia artistica. Ma poiché l'arte è molto soggettiva, è molto importante anche spiegare i cliché.
Sono stanco di vedere immagini vaghe e prive di indizi pubblicate come fotografie d'arte. Quindi ecco un breve elenco di cliché che devi capire prima di iniziare. E poi dovresti evitarli.
1. Immagini estremamente vaghe
La fotografia artistica non è un enigma che devi risolvere. Se il tuo concetto è un po' vago, presenta un corpus completo di lavori in modo che le persone possano capirlo facilmente.
2. Immagini rumorose e sgranate
A volte scatti in condizioni di luce estremamente scarsa e questo introduce rumore. È comprensibile.
Aggiungere grana in post, tuttavia, solo per coprire una cattiva esposizione o per far sembrare che sia stato girato su pellicola non va bene.
3. Vigneti forti
Le vignette aiutano a focalizzare l'attenzione dello spettatore sull'argomento. Personalmente mi piace usarli, sia nell'arte che in qualsiasi altro tipo di fotografia. Lo uso come scelta stilistica e ti consiglio vivamente di provarlo.
Ma non aggiungere una vignettatura forte solo per far sembrare l'immagine come se fosse stata girata su pellicola. O per cercare di nascondere una cattiva composizione.
Conclusione
Allora, cos'è la fotografia d'arte? La fotografia artistica va oltre ciò che è effettivamente davanti alla fotocamera. È un'interpretazione molto personale da parte degli artisti di una situazione che potrebbe essere molto diversa dalla realtà.
Il vero fulcro della fotografia d'arte è trasmettere una certa sensazione o un messaggio attraverso la tua fotografia. La fotocamera è solo un mezzo.
Fai tutto il necessario per trasmettere il tuo messaggio. Sia che tu debba utilizzare tecniche interne alla fotocamera o di post-elaborazione. Presentare le tue immagini come un insieme coeso di lavoro insieme a una dichiarazione dell'artista non è solo professionale, ma trasmette anche il tuo messaggio in modo più chiaro.
Hai bisogno di una laurea in belle arti per questo? A mio avviso, no. È utile capire la storia e come si è evoluta la fotografia d'arte. Ma non è un must.
La cosa più importante è allenare la tua vista e usare la tua immaginazione per tirare fuori qualcosa di unico dalle situazioni ordinarie.