Dagli spaccati all'inquadratura , esaminiamo cinque metodi di produzione cinematografica che possono consentirti di girare come un montatore.
Dai un'occhiata al tutorial qui sotto per suggerimenti su come girare un film come un montatore. Quando hai finito, segui la trascrizione passo passo di questo tutorial sotto di esso.
Tuffiamoci nel nostro primo punto e cioè:gli spaccati. Gli spaccati sono consolidati in molti film (sono sicuro che li usi già), ma ci sono tre tagli principali su cui dovresti concentrarti. Inizierò con quello più ovvio:lo scatto dettagliato.
1. Lo scatto dettagliato
Una ripresa dettagliata consiste essenzialmente nel definire alcuni dettagli all'interno di uno spazio che forse costruisce un po' meglio l'ambiente, aiutando il pubblico a capire il personaggio che sta guardando. Ad esempio, una mia foto mentre scrivo al computer.
Ora puoi stabilire tutto ciò che probabilmente devi sapere attraverso un campo medio o ampio. Ma per saperne di più su quel personaggio, potresti fare un primo piano o un dettaglio colpo delle loro dita sulla tastiera. Questo potrebbe stabilire la scena usando il suono di una tastiera, facendoci entrare in quella scena, oppure potrebbe essere usato semplicemente come una piccola spalla mancante.
Inoltre stabilirà qualcosa in più sul personaggio. Forse sono una dattilografa veloce. Forse sono una dattilografa lenta. La prossima cosa sarebbe mostrare quello che sto guardando riprendendo lo schermo del computer. Potrei scrivere un'e-mail davvero importante e significativa, o forse sto solo scrivendo commenti di odio su YouTube. A seconda del marchio con cui stai lavorando, potrebbero non voler ancora rivelare tali informazioni. Indipendentemente da ciò, questi sono tutti esempi di uno scatto dettagliato.
2. Scatti ambientali
Un'altra sezione di uno spaccato è costituita dalle riprese ambientali. Quindi, in quella scena di me sulla tastiera, forse c'è un bicchiere di vino. Inoltre, sto bevendo durante il giorno. Questo stabilisce qualcosa in più sul mio carattere.
Avere tagli su determinati elementi all'interno di uno spazio può aiutare a migliorare la storia e raccontare di più sul tuo personaggio principale. Se stai girando e il regista sul set non ci ha pensato, dare a un personaggio all'interno di una scena un supporto per stabilire un po' di più sul suo personaggio può davvero aiutare lo sviluppo della trama.
Allo stesso modo, cosa accadrebbe se lo scenografo avesse un piccolo soprammobile indesiderato sullo sfondo ? O una palla boom cade inaspettatamente nel telaio e non possono ritagliarla o rimuoverla digitalmente? Avere uno spaccato per l'editor è davvero utile in queste circostanze.
Molti editori adorano avere gli spaccati all'inizio di una scena per stabilire uno spazio. Forse mostri tre primi piani all'inizio della scena per mostrare un po' dell'ambiente, o solo uno. Un'inquadratura del bicchiere di vino, il primo piano della tastiera, poi il grandangolo che inevitabilmente costruisce la scena.
3. Lo spaccato dell'espressione
Essenzialmente, questi tagli sono molto importanti per stabilire uno spazio e costruire un ambiente. La terza spalla mancante di cui voglio parlare è un'espressione/reazione di qualcun altro. Forse hai un attore in più. Avere una ripresa di reazione a una scena è un modo economico per costruire davvero l'ambiente. Quindi, per esempio, se sono al computer a modificare, bere il mio vino durante il giorno e mio padre mi sorprende a farlo, quale sarà la sua espressione?
La sua espressione è quella di un padre orgoglioso? Oppure, il giorno in cui suo figlio beveva lo ha fatto arrabbiare? All'improvviso, un'espressione tagliata cambia davvero il gioco.
4. Inquadratura
Il prossimo è l'inquadratura:avere ripetitività visiva è importante. Ora, non sta girando la stessa cosa più e più volte, ma, piuttosto, avere scatti inquadrati simili. Il regista George Miller, il genio dietro il Mad Max film, ne ha discusso quando ha girato Mad Max:Fury Road , molte delle scene che ha filmato sono state riprodotte nel mirino.
Questo mi ha davvero ispirato perché penso che avere un linguaggio di framing aiuti il flusso di lavoro dell'editor . Ad esempio, se stai girando un montaggio rapido e veloce, sai che qualcosa si sta avvicinando rapidamente. Potresti avere un elemento coeso all'interno dell'inquadratura in modo che gli occhi del pubblico non rimbalzino? Potresti avere un meccanismo di inquadratura simile in cui tutto viene girato al centro, a sinistra oa destra? Quindi, pensa a come stai inquadrando l'inquadratura A e come corrisponderà all'inquadratura B, C, D, ecc.
5. Aspetta i fotogrammi
La prossima cosa è tenere i frame. Funziona su tutta la linea, dal cinema al documentario, qualunque cosa tu stia girando. Ho lavorato alle modifiche con qualcun altro in cui filmeranno una scena, quindi quando avranno la sensazione di averla azzeccata, rilasceranno la presa sulla ripresa. Ora, i pan down possono essere utili per le transizioni, ma quello che dovresti fare come tiratore è essenzialmente trovare il tuo tiro, quindi tenerlo premuto.
Questo è importante perché, come editor, hai bisogno di handle all'inizio e fine della tua clip. Di solito sono circa uno o due secondi. Ad esempio, supponiamo di voler avere una bella dissolvenza all'interno di una clip. Tuttavia, alla fine della clip, il DOP o il tiratore hanno deciso di abbassare la fotocamera perché pensavano di avere la cornice. All'improvviso, il momento è interrotto. Quindi, quello che consiglio vivamente è di tenere una cornice e dargli un po' di movimento in più.
Alla fine, questo dà all'editor più cose con cui giocare all'interno della modifica. Dai al tuo editor cose eccitanti con cui lavorare!
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