Se non hai sentito parlare della tecnica dello stop motion, hai sicuramente visto la sua presenza nell'industria cinematografica letteralmente ogni decennio. Dall'originale King Kong degli anni '30 ai Boxtrolls dell'anno scorso, lo stop motion continua a essere una tecnica amata dagli animatori e dagli spettatori. Lavorare in stop motion non è facile, ma ne vale la pena.
Come ogni animazione, viene eseguita fotogramma per fotogramma, ma invece di disegnare un nuovo fotogramma si manipolano modelli fisici all'interno di insiemi reali. Metti in posa il tuo modello, fai scorrere un fotogramma attraverso la fotocamera, muovi il modello in modo incrementale e ripeti, ancora e ancora. È un processo lento indubbiamente, ma i risultati aggiungono uno stile e un'atmosfera unici a un progetto.
Tempo di preparazione
Ci sono una serie di buoni motivi per utilizzare lo stop motion in un progetto, ma farlo non è così semplice come impostare il treppiede e scattare. Anche le animazioni più elementari richiedono una notevole quantità di pianificazione per l'esecuzione. Come per qualsiasi progetto, inizia con lo script.
Scrivere per un'animazione non è diverso dai normali script, ma hai più opportunità di dare libero sfogo alla tua immaginazione. Le tue restrizioni non sono più ciò che puoi ottenere con attori e luoghi, ma ciò che sei in grado di creare. Questa libertà può essere inebriante ma non dovrebbe sfuggire di mano. La stop motion offre una vasta gamma di possibilità, ma è incredibilmente laboriosa.
Sebbene sia possibile avere una scena di battaglia epica con migliaia di personaggi, animare una scena del genere con singoli modelli richiederà molto tempo. Con tutti i mezzi, esplora idee uniche che altrimenti non potresti durante lo sviluppo della tua storia, ma tieni presente la quantità di tempo necessaria per animare.
Ogni video dovrebbe essere pianificato (schede di ripresa, storyboard, ecc.) In una certa misura, ma per l'animazione è molto più cruciale. La stop motion richiede ore di lavoro per pochi secondi di filmati utilizzabili, quindi è necessario disporre di un solido piano d'azione per ogni scena. Dopotutto, non vorresti passare ore, o addirittura giorni, a lavorare su uno scatto che non ti serve. Fai del tuo meglio per comporre tutto come vuoi prima di tuffarti nell'animazione.
Costruire i tuoi personaggi
Una volta che i preparativi sono stati completati, è tempo di capire cosa animerai. I materiali che usi dipendono dal tipo di personaggi che hai. Dal momento che non ci sono attori tradizionali, sta a te creare personaggi che non solo risuonino con il pubblico ma non ti uccidano per animare. Prova alcuni design per i tuoi personaggi prima di scolpirli nella pietra, perché una volta iniziata la produzione, non sarai in grado di apportare modifiche.
La plastilina è stata a lungo la scelta preferita degli animatori in stop motion poiché ti dà la libertà di creare personaggi non tradizionali, ma puoi usare qualsiasi cosa:dalle action figure ai LEGO. Indipendentemente da ciò che scegli, assicurati che sia qualcosa che puoi facilmente manipolare e manterrà la sua posizione.
A tal fine, le armature sono ottime da usare per i tuoi personaggi. I modelli Clay sono più morbidi e non saranno in grado di mantenere la loro posizione nel tempo. Le armature lo impediscono essendo uno scheletro su cui costruisci il personaggio. Impediscono al modello di cedere tra uno scatto e l'altro e aiutano a fare movimenti più minuti per il tuo personaggio.
Le armature non devono essere complicate, né costose acquistate in negozio. Anche piegare il filo nella forma di base che desideri (ottimo per personaggi più fantastici) e costruire il tuo modello attorno è preferibile a niente. L'uso di articoli per la casa come i giocattoli può annullare la necessità di armature. In ogni caso, assicurati che si adatti al mondo/alla storia che stai realizzando.
Renderli reali
Più che appendici mobili, i tuoi personaggi devono esprimersi. Devi progettare le espressioni facciali dei tuoi personaggi per trasmettere le loro emozioni. Con l'argilla da modellare, è possibile controllare le caratteristiche del viso da cornice a cornice mentre esegui ogni movimento, ma questo viene fornito con una serie di mal di testa. In alternativa, può essere più semplice creare più teste per i tuoi personaggi con varie espressioni e scambiarle tra i fotogrammi secondo necessità.
Ciò consente di risparmiare tempo prezioso e richiede solo uno sforzo aggiuntivo sul front-end per creare e organizzare le sculture. Sono particolarmente utili quando si tratta di dialoghi, che dovrebbero essere registrati prima dell'animazione.
Sul set
I tuoi personaggi hanno bisogno di un posto dove andare. Metterli in un vuoto non crea storie o immagini interessanti, quindi dovrai costruire set. Come i tuoi personaggi, il modo in cui crei i set dipende interamente da te e dalla sceneggiatura. Assicurati solo che siano abbastanza grandi da contenere i tuoi modelli e darti la libertà di filmare da una varietà di angolazioni.
Quando lavori con i set in miniatura, è facile dimenticare i dettagli, quindi tieni a mente le piccole cose. Ad esempio, quando si costruisce una camera da letto è importante ricordare cosa compone una camera da letto. I letti hanno bisogno di lenzuola e cuscini, gli armadi sono in genere pieni di vestiti, la maggior parte dei cassettiere ha soprammobili, ecc. Questi dettagli sono spesso trascurati nel processo di creazione dei set, ma aggiungono molto tocco visivo alle tue scene. Stilisticamente, ci sono buone ragioni per ignorarle, ma farlo deve essere una decisione consapevole, non perché te ne sei dimenticato.
Come per qualsiasi cosa filmi, l'illuminazione è un elemento cruciale, ma quando usi le miniature richiede più riflessione. Non solo stai illuminando per le riprese, ma devi illuminare il tuo set in modo realistico. Per gli interni, come la camera da letto, devi pensare da dove proviene la luce. Se una lampada è visibile nella tua inquadratura, ma la luce colpisce dal lato opposto del personaggio, c'è una disconnessione visiva che gli spettatori riconosceranno rapidamente.
Mettersi al lavoro
Le scenografie sono fatte, i modelli sono pronti e le riprese sono pianificate. È quasi ora di iniziare a girare. Come per qualsiasi progetto, l'attrezzatura utilizzata per acquisire filmati è una considerazione importante. Per lo stop motion, è possibile utilizzare una videocamera o una fotocamera con cornice fissa. La scelta è tua. Se hai già una fotocamera che conosci, probabilmente è una buona idea mantenerla.
Indipendentemente dalla fotocamera che utilizzi, una cosa è fondamentale:deve essere completamente ferma. Niente rovina la tua animazione più della telecamera che si muove quando non dovrebbe. Avere un treppiede solido è un ottimo inizio, ma fissarlo una volta stabilito il punto di ripresa non è una cattiva idea.
Una delle cose che possono semplificarti la vita in modo incommensurabilmente più semplice in stop motion è collegare la tua fotocamera a un programma sul tuo computer (ad esempio AnimatorHD, Dragonframe, iStopMotion, StopMotionPro) in modo da poter usare la tecnica della buccia di cipolla. Questo pratico strumento crea un'immagine semitrasparente del fotogramma precedente catturato, così puoi vedere, attraverso la prospettiva della fotocamera, esattamente quanto devi spostare il tuo modello. È una guida utile in cui normalmente tutto ciò che avresti sono i tuoi occhi su cui fare affidamento.
Mantieni i tuoi principi
Lo stop motion è una forma di animazione e come tale devi tenere a mente i principi di base dell'animazione. Queste idee esistono dall'avvento del mezzo e sono fondamentali per rendere realistica qualsiasi animazione per il pubblico.
Questo non ha nulla a che fare con lo stile o il tono, che può essere irrealistico, ma ha più a che fare con la fisica nel mondo reale e il modo in cui le persone percepiscono il movimento. Allungare e schiacciare è l'esempio più semplice e l'idea alla base è quella di dare "peso" a personaggi o oggetti. Immagina di far rimbalzare una palla. Quando colpisce il suolo, si schiaccia insieme e poi si allunga verso l'esterno per risalire.
Questa stessa idea può essere applicata ai personaggi che saltano su e giù (facendo flettere ed estendere le gambe) o entrano in contatto con altri elementi della scena. Personaggi e set devono reagire fisicamente in modi appropriati. Il mancato rispetto delle nozioni di base può mettere a disagio il pubblico, impedendogli di concentrarsi sui contenuti del tuo video o interrompendo del tutto la visione.
Post-produzione
Quando si tratta di post-produzione, la buona notizia è che i normali programmi di editing funzioneranno perfettamente per stop motion. Quello di cui devi preoccuparti di più è come viene catturato il filmato. Abbiamo già menzionato alcuni programmi per quanto riguarda lo skinning a cipolla, ma funzionano anche per catturare i filmati e salvarli in un formato facile da modificare.
In generale, si applicano gli stessi principi di editing, con la differenza fondamentale che non avrai quasi tante riprese extra con cui giocare. Una delle cose più importanti che devi affrontare oltre a correggere i problemi di temporizzazione sarà il sound design. Il dialogo viene registrato separatamente e il filmato viene catturato MOS (Motor Only Sync, o "Mit Out Sound" se credi ad alcune leggende), il che significa che non hai alcun rumore ambientale con cui lavorare.
Sta a te creare i suoni del mondo all'interno della tua storia, e tutto, dai passi ai rumori di sottofondo, deve essere tenuto in considerazione. Questo fa molto per rendere reale la tua creazione. Una cattiva progettazione del suono sulla tua animazione può essere altrettanto scoraggiante quanto il non aderire ai principi dell'animazione.
Ripassa alcune volte la tua animazione nell'area di montaggio. Esegui diversi tagli, prova le cose e rendila la migliore presentazione possibile prima di esportarla nel formato che preferisci. Dedichi molto tempo e sforzi all'animazione stessa, ma non tagli gli angoli nella modifica a causa di ciò. Prenditi il tuo tempo e rendilo nitido.
Barra laterale:progressi tecnologici
L'arte dello stop motion è una tecnica più vecchia, ma le nuove tecnologie continuano a fornire modi eccellenti per espandere il mezzo e renderlo più accessibile ai nuovi arrivati:puoi immaginare quanto sarebbe stato utile la buccia della cipolla decenni fa? Uno dei più recenti progressi che ha aiutato gli animatori in grande stile è la stampa 3D. Una stampante 3D converte un modello generato dal computer in una cosa tangibile. Sebbene la tecnologia abbia usi diffusi, è il massimo risparmio di tempo per la stop motion.
La modellazione manuale è uno sforzo che richiede tempo, ma farlo al computer con un software è un processo molto più fluido che consente una maggiore quantità di sperimentazione. Laddove cambiare qualcosa in una scultura fisica richiede la perdita di ore di lavoro, puoi apportare modifiche e tornare indietro premendo un tasto nel computer.
Ancora più importante, la stampa 3D aiuta quando si creano più espressioni facciali da scambiare durante l'animazione. Invece di scolpire ogni testa a mano, puoi modificare rapidamente il design al computer e stampare. Anche se lo stop motion richiederà comunque molto duro lavoro, l'accesso a una stampante 3D può salvarti la vita in fase di pre-produzione.
Barra laterale:una visione animata
Il regista e animatore Josh Funk ha creato "The Spaceman" come espressione giocosa della sua immaginazione d'infanzia. effetti pratici possibili”. Il film è stato creato utilizzando l'animazione in stop motion, set in miniatura, set di cartone di grandi dimensioni, animatronics e CGI e rappresenta il secondo sforzo in stop motion di Josh. Il suo film precedente, Wormholes, è stato creato utilizzando esclusivamente tecniche di stop motion.
Sebbene lo stop motion sia talvolta visto come un processo ad alta intensità di lavoro proibitivo, Josh nutre una particolare predilezione per il mezzo:"Sono sempre stato un fan dell'animazione in stop motion e sono sbalordito dalla quantità di dedizione che ci vuole per finire un progetto in questo medio." È grazie a questo impressionante livello di dedizione che gli animatori in stop motion come Josh ottengono un controllo senza compromessi sui loro progetti. “Posso creare set elaborati che sarebbero costosi per un film live-action”, dice Josh, “non ci sono attori con cui preoccuparsi di programmare e tutto ciò che posso immaginare può essere creato attraverso i pupazzi. Sembra davvero un'arte in movimento."
Tuttavia, il controllo completo non è sempre sinonimo di perfezione assoluta, ma questo non infastidisce Josh:"Mi piacciono i difetti di questa forma di animazione. Ad esempio, se guardi da vicino The Spaceman puoi occasionalmente vedere la pelliccia muoversi da dove le mie dita stavano regolando il burattino. C'è un'esibizione tra i fotogrammi."
"The Spaceman" ha finora ottenuto due premi alle competizioni IndieFEST e Best Shorts e sarà diretto a molti altri festival entro la fine dell'anno.
Vogliamo per offrire un ringraziamento speciale a Josh per averci dato una sbirciatina dietro le quinte del suo lavoro nelle immagini presenti in questo articolo. Guarda "The Spaceman" e tieniti aggiornato sugli ultimi progetti di Josh su www.joshfunk.com
Jordan Maison è un editore e artista di effetti visivi che ha sfruttato il suo talento nei contenuti web per i Disney Studios, nonché per i siti web di film e videogiochi.