i. Pianificazione e preparazione (Fondazione della creatività)
Questa è probabilmente la parte più cruciale. I ritratti creativi spesso richiedono più pensieri di quelli tradizionali.
1. Definisci il tuo concetto/tema:
* Che storia vuoi raccontare? Pensa alle emozioni, alle idee o alla narrazione che vuoi trasmettere. È stravagante, surreale, spigoloso, onirico, potente, vulnerabile, ispirato al vintage, futuristico, ecc.? Avere un concetto chiaro mantiene tutto concentrato.
* Ispirazione: Sfoglia libri di fotografia, riviste, siti Web (500px, Behance, Pinterest, Instagram) e gallerie d'arte per l'ispirazione. Ma non solo copiare:usalo come trampolino di lancio per le tue idee. Inoltre, considera di guardare altre forme d'arte come pittura, film o persino musica.
* Abook target (facoltativo): Se questo è per un progetto specifico, considera chi stai cercando di raggiungere.
2. Selezione e collaborazione del modello:
* La vestibilità giusta: Scegli un modello il cui aspetto, personalità ed esperienza si allinea al tuo concetto. Non aver paura di lanciare modelli non convenzionali!
* Comunica la tua visione: Spiega chiaramente il tuo concetto, la mood board e le pose previste al modello. Discuti il guardaroba, il trucco e i capelli. Più il tuo modello comprende il concetto, meglio può incarnarlo.
* Rilascio del modello: Se si intende utilizzare le immagini per scopi commerciali (vendita di stampe, pubblicità, ecc.), Ottieni un modulo di rilascio del modello firmato.
* Collaborazione: Incoraggia il modello a contribuire con le proprie idee. La ritratto è spesso un processo collaborativo.
3. Scouting e selezione della posizione:
* Abbina il tema: La posizione dovrebbe integrare il tuo concetto. Considera ambientazioni urbane, paesaggi naturali, aree industriali, interni unici o persino uno studio.
* Considerazioni sull'illuminazione: Osserva la luce in diversi momenti della giornata nella posizione prescelta. In che modo la luce interagisce con l'ambiente circostante? Dovrai integrare con la luce artificiale?
* autorizzazione e permessi: Se si spara sulla proprietà privata o in uno spazio pubblico che richiede un permesso, ottenere in anticipo le autorizzazioni necessarie.
* fondali (studio): Se si spara in uno studio, considera l'uso di fondali testuriti, carta colorata o tessuto per aggiungere profondità e interesse visivo.
4. guardaroba, capelli e trucco:
* Allineamento del concetto: Il guardaroba dovrebbe essere scelto con cura per supportare il concetto. Prendi in considerazione tavolozze di colori, tessuti, trame e stili.
* Aiuto professionale: Se possibile, assumere un truccatore professionista (MUA) e un parrucchiere. Possono elevare l'aspetto e garantire che completa l'illuminazione e l'estetica generale.
* Opzioni fai -da -te: Se hai un budget limitato, ricerca e tutorial di trucco e capelli che corrispondono al tuo aspetto desiderato. Prendi in considerazione la possibilità di fare il proprio trucco con la guida.
* I dettagli contano: Presta attenzione agli accessori, ai gioielli e persino agli smalti. Questi piccoli dettagli possono aggiungere all'impatto complessivo.
5. Piano di illuminazione:
* Luce naturale: Usa i riflettori per rimbalzare la luce e riempire le ombre. Prendi in considerazione l'uso di diffusori per ammorbidire la luce solare dura. L'ora d'oro (poco dopo l'alba e prima del tramonto) fornisce luce calda e lusinghiera. I giorni nuvolosi offrono un'illuminazione morbida e uniforme.
* Luce artificiale (Studio/On-Location):
* Strobi/Flash: Fornire luce potente e controllabile. Usa modificatori come softbox, ombrelli, piatti di bellezza e griglie per modellare la luce.
* illuminazione continua (LED, ecc.): Più facile vedere l'effetto della luce in tempo reale.
* Rapporti di illuminazione: Sperimenta diversi rapporti di illuminazione per creare umore e profondità. Un rapporto più elevato (più contrasto) può creare un aspetto drammatico, mentre un rapporto inferiore (meno contrasto) può creare un aspetto più morbido.
* Gel a colori: Usa i gel colorati per aggiungere lanci di colore creativo e umore alla tua configurazione dell'illuminazione.
6. PROPS E ACCESSORI:
* Aggiunte significative: Gli oggetti di scena dovrebbero migliorare la storia e non distrarre dall'argomento.
* Elementi concettuali: Pensa oltre l'ovvio. Prendi in considerazione l'uso di oggetti che rappresentano la personalità, i sogni o le lotte del modello.
* oggetti di scena fai -da -te: Diventa creativo e crea i tuoi oggetti di scena. Questo può aggiungere un tocco unico e personale alle tue immagini.
7. Mood Board:
* Guida visiva: Crea una mood board con immagini ispiratrici, tavolozze di colori, idee per il guardaroba e riferimenti in posa. Condividi questo con il tuo modello, MUA e parrucchiere. Pinterest è un ottimo strumento per questo.
ii. Sparare (catturando la magia)
1. Impostazioni della fotocamera:
* Apertura: Scegli un'apertura che crea la profondità di campo desiderata. Un'ampia apertura (ad es. F/1.8, f/2.8) creerà una profondità di campo poco profonda, sfocando lo sfondo e isolando il soggetto. Un'apertura più piccola (ad es. F/8, F/11) creerà una maggiore profondità di campo, mantenendo più l'immagine a fuoco.
* Velocità dell'otturatore: Usa una velocità dell'otturatore abbastanza veloce da prevenire la sfocatura del movimento. Come regola generale, usa una velocità dell'otturatore che è almeno l'inverso della lunghezza focale (ad esempio, se si utilizza una lente da 50 mm, usa una velocità dell'otturatore di almeno 1/50 di secondo).
* Iso: Mantieni l'ISO il più basso possibile per ridurre al minimo il rumore. Aumentare l'ISO solo quando necessario per mantenere una corretta esposizione.
* White Balance: Imposta il bilanciamento del bianco in modo che corrisponda alle condizioni di illuminazione. Utilizzare un'impostazione del bilanciamento bianco personalizzato per i colori più accurati.
* Modalità di tiro: La modalità Aperture Priority (AV o A) è una buona scelta per la fotografia di ritratto, in quanto consente di controllare la profondità di campo mentre la fotocamera regola automaticamente la velocità dell'otturatore. La modalità manuale (M) ti dà il pieno controllo su tutte le impostazioni.
* Modalità Focus: Utilizzare l'autofocus a punto singolo (AF-S o un colpo singolo) per soggetti statici e autofocus continuo (Servo AF-C o AI) per soggetti in movimento. Concentrati sugli occhi del soggetto.
2. Posing ed espressione:
* Direct &Guide: Fornire istruzioni di posa chiare e concise.
* POSE NATURALE: Punta le pose che sembrano naturali e comode. Evita pose rigide o imbarazzanti.
* sperimentazione: Non aver paura di provare pose e angoli diversi.
* Connessione: Incoraggia il modello a connettersi con la fotocamera. Una vera espressione può fare una grande differenza.
* infrangendo le regole: Una volta compresa le "regole" della posa, sentiti libero di romperle per creare immagini più uniche e dinamiche. Considera angoli, prospettive e composizioni insolite.
* Posizionamento della mano: Presta attenzione al posizionamento delle mani. Le mani possono essere una distrazione se non sono poste bene. Evita di lasciare che il modello appiattiva le mani contro il loro corpo, in quanto ciò può renderle più grandi.
* Linguaggio del corpo: Presta attenzione al linguaggio del corpo del modello. Incoraggiali a usare il loro corpo per trasmettere emozioni.
* Comunicazione costante: Continua a parlare con il tuo modello durante le riprese. Dai loro feedback e incoraggiamento positivi.
3. Composizione:
* regola dei terzi: Dividi il telaio in terzi orizzontalmente e verticalmente e posiziona elementi chiave lungo queste linee o alle loro incroci.
* Linee principali: Usa le linee per guidare l'occhio dello spettatore sull'argomento.
* Spazio negativo: Usa lo spazio negativo (aree vuote nel frame) per creare un senso di equilibrio e per attirare l'attenzione sul soggetto.
* Inquadratura: Usa elementi nella scena per inquadrare il soggetto. Questo può aggiungere profondità e interesse visivo.
* Simmetria e motivi: Cerca opportunità per usare simmetria e modelli nelle composizioni.
* Close-up vs. scatti ampi: Varia le tue composizioni facendo sia colpi ravvicinati che scatti più ampi che mostrano più ambiente.
* Angolo di vista: Sperimentare con diversi angoli visivi. Le riprese da un angolo basso possono rendere il soggetto potente, mentre le riprese da un angolo elevato possono renderli vulnerabili.
4. Tecniche creative durante le riprese:
* Doppia esposizione: Combina due o più immagini nella fotocamera per creare un effetto surreale.
* Flare lente: Crea intenzionalmente il bagliore di lente sparando verso il sole.
* Motion Blur: Usa una velocità dell'otturatore lenta per creare motion blur.
* Focus selettivo: Usa un'ampia apertura per creare una profondità di campo superficiale e isolare il soggetto.
* Riflessioni: Usa i riflessi in specchi, acqua o altre superfici per creare effetti interessanti.
* PRISMS: Tieni un prisma di fronte alla lente per creare effetti di luce rifratta.
* Filtri: Utilizzare i filtri (ad es. Filtri ND, filtri polarizzanti, filtri a colori) per modificare l'aspetto delle immagini. Puoi acquistare anche filtri a effetto speciale.
5. La sperimentazione è la chiave:
* Non aver paura di fallire: La fotografia creativa consiste nel spingere i confini e provare cose nuove. Non tutti gli esperimenti avranno successo, ma imparerai dai tuoi errori.
* Rompi le regole: Una volta compresa le regole di base della fotografia, non aver paura di romperle per creare immagini più uniche e interessanti.
iii. Post-elaborazione (miglioramento e raffinazione)
1. Software:
* Adobe Photoshop: Lo standard del settore per il fotoritocco.
* Adobe Lightroom: Eccellente per l'organizzazione e la modifica di grandi lotti di foto.
* Cattura uno: Un'alternativa popolare a Lightroom, nota per il suo rendering a colori.
* gimp (gratuito): Un potente editor di immagini open source.
2. Regolazioni di base:
* Esposizione: Regola la luminosità complessiva dell'immagine.
* Contrasto: Regola la differenza tra le luci e le ombre.
* Highlights &Shadows: Recupera i dettagli nelle luci e nelle ombre.
* Bianchi e neri: Imposta i punti bianchi e neri per massimizzare la gamma dinamica.
* Clarity: Aggiungere o ridurre il contrasto di medio tono.
* Vibrance e saturazione: Regola l'intensità dei colori.
* White Balance: Attivare l'equilibrio bianco per garantire colori accurati.
3. Ritocco:
* Ritocco della pelle:
* Separazione di frequenza: Una tecnica popolare per levigare la pelle durante la consistenza.
* Brush e clone Stamp: Rimuovere le imperfezioni e le imperfezioni.
* Dodge &Burn: Alleggerisci sottilmente le aree per scolpire il viso e aggiungere dimensione.
* Miglioramento degli occhi: Affila gli occhi e illumina i bianchi.
* Ritocco dei capelli: Rimuovere i peli randagi e aggiungere volume.
4. Adeguamenti creativi:
* Classificazione del colore: Usa la classificazione dei colori per creare un umore o un'atmosfera specifica. Sperimenta palette e toni di colore diverso.
* Colore selettivo: Isolare colori specifici e regolare la tonalità, la saturazione e la luminanza.
* Aggiunta di trame e sovrapposizioni: Aggiungi trame e sovrapposizioni per creare un aspetto più artistico.
* Filtri e preset: Utilizzare filtri e preset per applicare rapidamente un aspetto specifico. Tuttavia, fai attenzione a non esagerare.
* Aggiunta di grano: Aggiungi una piccola quantità di grano per dare all'immagine un aspetto simile a un film.
* Vignetting: Aggiungi una vignetta sottile per attirare l'attenzione sul soggetto.
5. Affilatura:
* Affilatura per la stampa vs. Web: Affila l'immagine in modo appropriato per l'uso previsto. Le immagini che verranno stampate di solito richiedono più acuffi delle immagini che verranno visualizzate sul Web.
6. Output:
* Formato file: Salva l'immagine nel formato di file appropriato (ad es. JPEG per Web, TIFF per la stampa).
* Risoluzione: Salva l'immagine alla risoluzione appropriata per l'uso previsto.
* Spazio colore: Salva l'immagine nello spazio colore appropriato (ad es. SRGB per Web, Adobe RGB per la stampa).
Takeaway chiave per la creatività:
* Rompi le regole, ma conosci prima: Comprendere i fondamenti ti consente di deviare intenzionalmente ed efficacemente.
* Racconta una storia: Ogni ritratto creativo dovrebbe avere una narrazione, per quanto sottile.
* Esperimento: Non aver paura di provare cose nuove. Ecco dove accade la magia!
* Pratica: Più ti pratichi, meglio diventerai nel vedere e creare ritratti creativi.
* Critica il tuo lavoro: Analizza le tue immagini e identifica le aree per il miglioramento.
* Trova il tuo stile: Non aver paura di sviluppare il tuo stile unico. Questo richiede tempo, ma è ciò che ti distinguerà.
* Rimani ispirato: Continua a guardare il lavoro degli altri fotografi e stai curioso.
Seguendo questi passaggi ed esplorando continuamente la tua visione creativa, puoi creare una fotografia di ritratto straordinaria e memorabile che si distingue dalla folla. Buona fortuna e divertiti!