Con l'avvento della fotografia digitale, più fotografi che mai hanno iniziato a definirsi fotografi e molti si sono persino messi in affari per se stessi. Ora, con quegli stessi produttori di fotocamere digitali che offrono opzioni video sempre migliori integrate in ogni iterazione delle loro fotocamere di punta, sempre più fotografi hanno aggiunto la parola "regista" ai nostri biglietti da visita e hanno preso di mira qualsiasi cosa, dai cortometraggi ai lungometraggi. Ma essere un vero regista richiede molto di più della semplice capacità di produrre immagini straordinarie.
Anche una stanza piena di colleghi cineasti alla fine si stancherà di due ore di immagini sbalorditive ma non correlate. E anche il modello più bello o attraente, che può sembrare sbalorditivo sulla pagina congelata, farebbe fatica a mantenere la tua attenzione per 120 minuti senza una sorta di arco del personaggio e sviluppo personale.
Qui entra nella sceneggiatura. Mentre molti sostengono che il cinema sia uno sport da regista e che gli attori siano quelli che ottengono più fama, niente di tutto ciò sarebbe possibile senza lo sceneggiatore. Mentre lui o lei può essere la persona più bassa sul totem quando si tratta del set (supponendo che lo scrittore sia anche autorizzato sul set), è il loro contributo che determina il potenziale del prodotto finale. Il cinema è sicuramente uno sport di squadra. E tutti i reparti devono lavorare su tutti i cilindri per ottenere qualcosa di veramente eccezionale. Tuttavia, una grande sceneggiatura a volte può superare una regia scadente o una recitazione scadente, ma anche i più grandi attori non riescono a dare vita a dialoghi deboli e complotti senza scopo.
Allora come fanno gli scrittori? Se il tuo ingresso nel mondo creativo è la tua capacità di raccontare una grande storia in un fotogramma straordinario, come fai a raccontare una storia che durerà a 24 fotogrammi al secondo nel corso di due ore? Bene, come quando si impara la fotografia, il primo passo è iniziare con le basi.
In primo luogo, un disclaimer. Come tutti gli aspetti dell'arte originale, le regole sono fatte per essere infrante. Probabilmente come fotografo hai iniziato il tuo viaggio imparando le basi di f-stop, diaframmi e ASA (o ISO) e hai scoperto come esporre "correttamente" un'immagine. È anche altrettanto probabile che quando hai iniziato a migliorare e creare un lavoro sempre migliore, hai iniziato a infrangere alcune di quelle regole stabilite e hai iniziato a pensare fuori dagli schemi. Tale è il processo creativo. Ma indipendentemente da quanto ci allontaniamo dalla norma, avere una comprensione di base degli elementi fondamentali del nostro mestiere fornisce una solida base da cui possiamo sperimentare e trovare la nostra vera voce.
Anche una sceneggiatura tradizionale di Hollywood segue generalmente determinate norme. La chiamiamo struttura della storia. Indipendentemente dal genere, nella maggior parte dei film ci sono solitamente ritmi di base della storia che aiutano il pubblico a relazionarsi con le emozioni che desideriamo trasmettere. E mentre c'è un'industria artigianale di libri sulla scrittura di sceneggiature e una ricchezza di nuovi termini sulle pagine di ciascuno, fondamentalmente si fondono tutti sugli stessi concetti di base.
Bisogno contro desiderio
La prima cosa da capire quando si crea un personaggio vivace è che le persone sono complesse. Sembra un punto ovvio, ma la comprensione di questo punto può spesso essere al centro di ciò che separa un film medio da uno grande. Non sempre agiamo razionalmente. A volte facciamo cose che, in apparenza, sembrano essere contro i nostri migliori interessi, ma a pensarci bene possono sembrare quasi predestinate. Ci rende imprevedibili. Inoltre, rende i nostri personaggi memorabili.
Spesso questa dicotomia nasce dall'eterna lotta tra il bisogno e voglio . I film, come la vita stessa, sono spesso una questione di queste due forze che si scontrano. Prendi, ad esempio, "Il Padrino". Di cosa parla il film? Al livello più elementare, è la storia di Michael Corleone che passa da onesto veterano di guerra a re degli inferi. Questo è un modo molto semplicistico di descrivere la trama. Dopo un tentativo di omicidio di suo padre, Don Corleone, Michael deve prendere l'iniziativa nel business della criminalità organizzata di famiglia e mette in pausa la propria vita civile per garantire la sopravvivenza del clan.
Quindi, in questo caso, il desiderio di Michael è chiaro. Vuole tenere unita la famiglia e superare in astuzia tutte le altre famiglie rivali per garantire la posizione della sua famiglia.
La sua esigenza, invece, è molto meno esplicita, ma è la forza trainante dell'intero film. È anche ciò che rende la storia di una fiorente mafia riconoscibile per un pubblico globale che potrebbe non aver mai sentito parlare della mafia fino all'uscita del film.
Michael Corleone ha bisogno di ciò di cui quasi tutti gli uomini hanno bisogno. Deve rendere orgoglioso suo padre. A differenza dei suoi fratelli, l'irregolare Sonny e il sensibile Fredo, Michael non è necessariamente destinato a una vita nell'azienda di famiglia. Ha la possibilità di costruirsi una vita al di fuori di quel mondo con la sua bellissima sposa e non mostra alcun reale interesse a seguire le orme di suo padre. Ma, nonostante i peccati di suo padre, Michael è ancora il figlio di suo padre. Ama suo padre. Non vuole che l'eredità di suo padre venga offuscata. E, come i suoi fratelli, vuole disperatamente conquistare l'amore di suo padre. Così, contrariamente all'interesse della propria sicurezza personale, assicura quell'amore intensificandosi quando la famiglia ha più bisogno di lui. Così soddisfa il suo bisogno mentre, in superficie, persegue il suo bisogno.
Struttura dell'atto
La maggior parte delle sceneggiature per lungometraggi ha una lunghezza di circa 120 pagine. Ogni pagina si riferisce a circa un minuto di tempo sullo schermo. Questa non è una scienza esatta. Le pagine pesanti del dialogo possono richiedere meno di un minuto di tempo sullo schermo. Le scene dense di azione possono essere solo una pagina, ma richiedono quindici minuti di tempo sullo schermo una volta che il regista e il coreografo degli stunt fanno la loro magia. Ma, come regola generale, una pagina equivale a un minuto.
Le sceneggiature dei lungometraggi, al contrario delle rappresentazioni teatrali o delle sceneggiature televisive, di solito seguono una struttura in tre atti. Il primo atto, di circa 30 pagine, introduce la nostra storia ei nostri personaggi. Essa pone le tracce per ciò che verrà. Il nostro secondo atto, il fulcro della storia, è di circa 60 pagine. È qui che si sviluppa effettivamente la maggior parte della trama e costruiamo il nostro guadagno. Tale profitto si verifica nelle ultime trenta pagine del terzo atto. Abbiamo costruito la nostra storia e il nostro personaggio, ora è il momento di portare tutto a una conclusione emozionante e memorabile.
Batti della storia
Un inizio, una via di mezzo e una fine. Abbastanza diretto. Vedrai questa struttura di base in qualsiasi cosa, da un premio Oscar a una pubblicità di scarpe da ginnastica. Ma, all'interno di una sceneggiatura cinematografica, la struttura della storia è generalmente ulteriormente suddivisa in ritmi o punti della trama. Questi sono momenti distinti nel viaggio emotivo di un personaggio che si verificano nel corso del film e alterano il corso della storia del personaggio e/o rivelano cose sul suo personaggio.
I ritmi esatti saranno chiamati in modo diverso da scrittori diversi, ma mi riferisco sempre a loro nello stesso modo in cui il mio primo istruttore di sceneggiatura mi ha insegnato più anni fa di quanto mi piacerebbe menzionare in pubblico, e che ho scoperto essere incredibilmente utile per scrivere sceneggiature nel corso degli anni.
#1 - La domanda
Fondamentalmente, di cosa parlerà la tua storia? Qual è la lotta più grande che desideri esplorare nelle prossime due ore? Questo deve essere stabilito immediatamente e generalmente si verifica nelle prime tre pagine.
Usiamo come esempio una storia d'amore su un ragazzo che impara ad amare di nuovo dopo una brutta rottura. Forse apri con una ripresa dell'uomo che si sveglia da solo nel letto. Ancora incollato all'estrema destra del letto, perché la sinistra era "il suo fianco". Alcune foto incorniciate sparse di lui con la sua ex moglie sul vicino caminetto. Una bottiglia vuota di Jack Daniels sul pavimento vicino al letto. La sua ombra delle cinque ora è cresciuta oltre la mezzanotte.
Fin dall'inizio, hai stabilito per il pubblico che quest'uomo ha il cuore spezzato. Il pubblico sa già che la sua vita è andata un po' in pezzi. Possono vedere che sta ancora portando una torcia per un amore perduto. E sanno che ciò che seguirà avrà qualcosa a che fare con la fortuna romantica del personaggio.
Naturalmente, questo è solo un esempio. Forse, invece, stai scrivendo un film horror su un rifugio desolato su un'isola? In tal caso, dovrai stabilire immediatamente uno stato d'animo inquietante. Pensa alla scena di apertura di "Get Out" con Lakeith Stanfield che cammina lungo la buia strada suburbana. O forse stai scrivendo una commedia come "40 Year Old Virgin" in cui stai raccontando la storia della relazione di un uomo con il sesso, o della sua mancanza. In tal caso, si apre con un'inquadratura di detto uomo che si sveglia al mattino, in una stanza piena di decorazioni a forma sottilmente fallica, e si alza dal letto per rivelare... beh, una certa parte insoddisfatta della sua anatomia è cresciuta durante la notte.
https://www.youtube.com/watch?v=zk98cBLiusU
#2 - La nuova opportunità
All'incirca al traguardo dei dieci minuti, questo è il nostro primo indizio che la vita del nostro personaggio potrebbe potenzialmente cambiare. Ancora niente di concreto. Ma qualche persona o opportunità entra nella storia che alla fine avrà un effetto sulla traiettoria dell'arco del personaggio. Lui o lei non riconoscerà necessariamente questa come un'opportunità. Ma il pubblico sì.
Nel nostro caso dell'uomo innamorato, questo potrebbe essere il punto della storia in cui incrocia casualmente la strada con la bella cameriera del ristorante locale. Molte scene di "incontri carini" arriveranno in questo frangente. Oppure, in un film di rapina in banca, forse questo è il punto in cui i ladri si rendono conto per la prima volta della vulnerabilità nel sistema di sicurezza della banca. O in una classica commedia romantica come "Quando Harry ti presento Sally", in cui i due protagonisti si incontrano come amici nella scena iniziale e intraprendono un viaggio insieme, dopo circa dieci minuti otteniamo la nostra prima menzione della domanda di fondo sulla loro relazione e sul intero film...
#3 - Cambio di piani
Terminando il primo atto e lanciandoci nel secondo atto, abbiamo il cambio di programma. Questo è il punto della trama in cui accade qualcosa che non segnala necessariamente che il protagonista raggiungerà il proprio obiettivo, ma significa che lo status quo, nel bene e nel male, cambierà.
In "Quando Harry ti presentò Sally", passiamo dal fatto che i due protagonisti si conoscessero vagamente e generalmente ostili l'uno all'altro al fatto che diventassero amici. Nel caso del nostro film sulla rapina, questo è il punto in cui prendono la ferma decisione di rapinare la banca. Nella nostra ipotetica storia dell'uomo innamorato, questo potrebbe essere il punto in cui riconosce davvero la propria attrazione per la bella cameriera e le chiede di uscire.
Oppure, nel caso di uno dei grandi di tutti i tempi "The Graduate", è qui che Benjamin Braddock porta la signora Robinson a casa dopo la cena dei suoi genitori solo per trovarsi di fronte a qualcosa in più di quanto si aspettasse.
Il ritmo del cambio di programma mette in moto la storia e il secondo atto.
#4 - Il primo accenno di crescita
Di solito il ritmo più sottile della storia, intorno a pagina 45 generalmente otteniamo un leggero accenno che ricorda al pubblico che il personaggio si sta muovendo in una certa direzione. Ricorda, la nostra storia esiste sia a livello di bisogno che a livello di desiderio. Questo ritmo della storia è un'occasione perfetta per indicare che il personaggio ha preso provvedimenti per ottenere ciò di cui ha veramente bisogno.
Nella nostra storia d'amore, forse torniamo all'appartamento del protagonista e lo vediamo fare qualcosa di semplice come mettere la foto incorniciata di lui e della sua ex moglie a faccia in giù in un cassetto. Forse ha pulito il suo appartamento in attesa che la cameriera possa passare e vuole fare una buona impressione. Queste sono entrambe cose sottili, ma indicano che si sta muovendo nella direzione di superare il suo crepacuore.
#5 - Punto di non ritorno
Non c'è ritorno. Mentre il cambio di programma mette in moto il processo e il primo accenno di crescita mostra i primi timidi passi del personaggio verso l'ottenimento del suo bisogno, il punto di non ritorno, che si verifica a metà del film, è il punto in cui il il personaggio si è completamente impegnato nel viaggio. Sia per piano o per caso, la storia andrà avanti fino alla sua conclusione. Non c'è più scampo.
Diciamo che questo è il punto in cui il nostro uomo innamorato fa l'amore per la prima volta con la bella cameriera. Dopo l'incontro, si sdraia tra le sue braccia e sussurra dolcemente "Ti amo". Il desiderio dell'uomo è uscire in alcune date. L'uomo ha il bisogno generale è guarire il suo cuore spezzato e trovare il coraggio di innamorarsi di nuovo. Quando lo dice, la sua storia è ora impegnata a giungere a una conclusione. O sarà in grado di guarire il suo cuore spezzato e accettare l'amore di questa donna o non lo è. Ma con l'opzione ora ufficialmente sul tavolo, dovrà fare una scelta.
Per un esempio più letterale e ricco di azione, dai un'occhiata all'iconica scena della rapina in banca di "Heat". Fino a questo punto del film, i nostri personaggi hanno avuto la possibilità di ritirarsi dal loro piano per rapinare la banca. Fino a quel momento, c'è ancora la possibilità, per quanto remota, che il personaggio di poliziotto incallito di Al Pacino e il maestro criminale di Robert DeNiro non dovranno mai effettivamente mettere alla prova la reciproca determinazione. Ma una volta che entrano in banca, una volta che i proiettili sono volati via e sono state perse vite umane, non si può più tornare indietro.
#6 - Falso finale
Simile al primo accenno di crescita, anche il falso finale, di solito intorno a pagina 75, è un'espressione del movimento del personaggio. Di solito indica una regressione, questo è il punto del film in cui il pubblico è portato a credere che tutto sia perduto.
Nonostante il nostro personaggio innamorato abbia trovato il coraggio di andare ad un paio di appuntamenti con la cameriera, nonostante lei gli dica che lo ama, non è ancora abbastanza emotivamente al punto di ammettere che la ama. Ad un certo livello, sa di essere, in effetti, innamorato di questa nuova donna. Ma ha ancora così paura di essere ferito che inevitabilmente fa qualcosa di stupido che porta alla loro rottura e alla fine (temporanea) del loro corteggiamento.
Prendi la scena in "Jerry Maguire" quando ha finalmente iniziato a rendersi conto del personaggio di Renee Zellweger, Dorothy Boyd, che la sua storia d'amore da libro illustrato con Jerry Maguire avverso all'intimità potrebbe non essere sulle basi più solide. Nonostante le sue straordinarie capacità di venditore, Jerry non riesce a vendere la donna che lo conosce meglio e lei decide che è ora che la loro relazione finisca.
#7 - Bisogno e desiderio si scontrano
Ricordi in precedenza nel saggio in cui ho menzionato che i bisogni e i desideri di un personaggio non si vedono sempre negli occhi? Questo è il punto, alla fine del secondo atto e all'inizio del terzo atto, che questi due elementi entrano in contatto e portano alla conclusione finale della storia.
Nel nostro esempio "Jerry Maguire", è qui che Jerry si rende conto che il suo desiderio dichiarato, ricostruire la sua carriera ed essere di nuovo al top, non è nemmeno lontanamente importante quanto il suo bisogno sottostante, imparare a condividere un'intimità genuina con la donna che gli amori. Una volta che Dorothy lo lascia, capisce subito che ciò che pensava di volere da sempre era, in effetti, solo una cortina fumogena per il cambiamento più profondo del personaggio di cui aveva davvero bisogno.
Nella nostra storia d'amore, il nostro personaggio ha trovato l'amore, ma se lo è lasciato sfuggire dalle dita perché non riusciva a superare la propria paura. Questo è il punto in cui avrebbe scoperto l'errore dei suoi stessi modi e avrebbe modificato esplicitamente i suoi obiettivi dal semplice uscire di un appuntamento per trovare veramente il coraggio di amare di nuovo.
#8 - Climax
Tutte le strade portano a questo. Abbiamo stabilito il nostro carattere e li abbiamo visti crescere. I nostri bisogni e desideri si sono scontrati e il personaggio sa esattamente qual è il suo obiettivo finale. Ora la domanda è come andrà a finire. La nostra cameriera riporterà indietro il nostro protagonista quando si presenterà al ristorante con un mazzo di rose? Jerry Maguire sarà davvero in grado di vendere Dorothy Boyd sul suo impegno per l'intimità quando conta di più? Il poliziotto di Al Pacino riuscirà finalmente a catturare il criminale di Robert Deniro o se la caverà? E quando finalmente arriveranno le armi a fuoco per un'altra creazione di Pacino, Tony Montana se ne andrà come viveva?
#9 - Risoluzione
È tutto detto e fatto. La storia ha costruito e consegnato la sua scena finale. Le domande hanno avuto risposta. La nostra cameriera ha accettato la proposta di matrimonio della nostra protagonista. L'eroe e il cattivo hanno avuto la loro ultima sparatoria. Benjamin Braddock ha "salvato" Elaine Robinson da un matrimonio potenzialmente noioso. E adesso?
Come ho detto prima, non tutte le storie che racconti seguiranno esattamente questi ritmi. Ci sono eccezioni a ogni regola. Anche eccezioni dentro eccezioni. Ma, se guardi indietro alla maggior parte delle principali uscite cinematografiche nel secolo scorso, troverai un numero sorprendente le cui trame seguiranno da vicino la traiettoria sopra. Se il tuo obiettivo è diventare un narratore migliore, prenditi un momento per rivedere alcuni dei tuoi film preferiti. Tira fuori carta e penna e fai un grafico su come quei registi hanno raccontato la loro storia. Quali parti del film sono state il cambio di programma, il punto di non ritorno, il climax? Qual è il minuto di inizio di ciascuna di quelle scene? Come si sono inseriti nella storia nel suo insieme?
Queste sono solo le basi. Prenditi un momento per capire i fondamenti, poi siediti e crea un tuo capolavoro.