Per celebrare la Giornata internazionale della donna, diamo un'occhiata al lavoro di 7 brillanti registe e vediamo come ciascuna di esse conferisce un aspetto e un'atmosfera unici al proprio lavoro. Naturalmente, ci sono molte più di 7 fantastiche registe donne là fuori, ma dobbiamo iniziare da qualche parte!
Kathryn Bigelow, L'armadietto ferito (2008)
Cominciamo con Kathryn Bigelow, l'unica donna a vincere un Oscar come miglior regista e il film che le è valso l'Oscar, The Hurt Locker . Bigelow ha lavorato con il suo direttore della fotografia, Barry Ackroyd, per creare un film che sembra un documentario girato da un giornalista in Iraq. Utilizzando le fotocamere Aaton 16 mm con supporto Fujifilm, il senso generale è di instabilità, rafforzata dall'utilizzo di fotocamere portatili. Ci sono molti ingrandimenti e rimpicciolimenti e rapidi cambi di messa a fuoco che riflettono l'ambiente pericoloso e in rapida evoluzione del compito.
Le scene in Iraq, che sono state effettivamente girate in Kuwait, sono state girate principalmente durante il giorno utilizzando quanta più luce naturale possibile. Ackroyd ha affermato di preferire un'illuminazione che non interferisca con la recitazione, e che segue fino alle poche scene notturne, che utilizzavano principalmente luci pratiche.
Molte delle scene in Iraq utilizzano una profondità di campo ridotta, che suggerisce la messa a fuoco ravvicinata e gli obiettivi ristretti dei personaggi che sono esperti di smaltimento di bombe. Ciò è in contrasto con le scene negli Stati Uniti, quando il protagonista è tornato dal suo turno di servizio in cui la mancanza di scopo della sua nuova vita è trasmessa attraverso inquadrature più ampie con un campo più profondo.
Il passaggio dall'Iraq agli USA non è agevole e agevole per il protagonista, il che si riflette nei rapidi tagli tra i 2 Paesi. L'uso da parte di Bigelow di forti contrasti nello stile delle riprese, negli angoli di ripresa e nell'illuminazione tra l'Iraq e gli Stati Uniti porta a casa la difficoltà di adattarsi dalla vita militare a quella civile. È un buon esempio di come la tecnica sia un elemento critico nella tua narrazione.
Céline Sciamma, Ritratto di dama in fiamme (2019)
Recensioni del Ritratto di donna in fiamme di Sciamma erano quasi universali nel loro elogio di un bellissimo film pittorico incentrato sullo sguardo o il punto di vista femminile. Dato che racconta la storia di una donna incaricata di dipingere segretamente il ritratto di una futura sposa per il marito designato, il plauso non potrebbe essere più azzeccato. Sciamma e la sua direttrice della fotografia, Claire Mathon, hanno studiato le artiste storiche e il loro lavoro per portare autenticità a questo pezzo d'epoca.
Sciamma ha fatto uso di tiri lunghi e persistenti che hanno richiesto un blocco e una coreografia molto attenti, ma non molte alterazioni degli assetti. Ciò contribuisce all'accumulo di "bruciatura lenta" della pellicola, ma consente anche all'illuminazione di brillare davvero.
Sciamma aveva le idee molto chiare sull'utilizzo del tipo di luce che faceva riferimento ai dipinti ad olio della sua ricerca. Voleva un travolgente senso di morbidezza alla luce che non ha mai preso il sopravvento. La pelle degli attori non ha un aspetto realistico, ma ricorda invece la perfezione opaca dei ritratti dipinti ad olio. Nelle parole di Sciamma: 'La luce sembrerebbe uscire dal personaggio.'
Le scene degli interni sono state girate in un castello nella regione francese della Senna e Marna. L'età e la natura non restaurata del castello hanno fatto sì che l'equipaggio avesse bisogno di un approccio diverso all'illuminazione. Costruirono una piattaforma fuori dal castello e illuminarono tutte le scene attraverso le sue finestre. Tutte le scene notturne sono state illuminate con quella che sembrava la luce di una candela ma senza l'uso di candele. Tutto questo ha dato un'atmosfera molto sensuale alle scene e ha contribuito a creare quella luce ultraterrena.
Dietro le quinte di "Ritratto di donna in fiamme". Immagine di NEON
Le scene sulla spiaggia sono state tutte girate sulla costa della Bretagna, e mentre il cast e la troupe si aspettavano vento e pioggia, hanno avuto un sole splendente. Hanno usato una fotocamera Red Monstro con obiettivi Leitz Thalia e una LUT dall'aspetto cinematografico. L'aspetto del film ha esaltato i toni del ciano nelle inquadrature, che contrastavano bene con gli abiti rossi e verdi degli attori e conferiva al film colori audaci e intensi.
Sofia Coppola, Le vergini suicide (1999)
In contrasto con la prospettiva intensamente femminile del Ritratto di donna in fiamme di Sciamma , arriviamo al debutto alla regia di Sofia Coppola, The Virgin Suicides . Questo film dall'aspetto sognante è raccontato in modo retrospettivo, con un gruppo di uomini che ricorda ciò che ricordavano delle 5 sorelle Lisbona, che si sono tolte la vita. Sarebbe molto facile per questo film scivolare nel sentimentalismo, ma Coppola tiene in primo piano le complessità della vita delle ragazze e ti chiedi quanto siano veramente affidabili i narratori.
A contrastare l'aspetto morbido e giovane del film dai tanti colori pastello è la malinconia della colonna sonora. Questa giustapposizione enfatizza la confusione che circonda la vita delle ragazze e la comprensione che i ragazzi ne hanno. Cosa successe veramente? E perché?
La chiave della tecnica narrativa di Coppola è il suo uso di inquadrature dalla finestra. In particolare, vediamo le ragazze che guardano da una grande finestra della loro casa, la telecamera che le guarda e il mondo esterno riflesso nel vetro.
Chi sta guardando e chi è osservato diventa intercambiabile. Un'altra finestra che Coppola ha utilizzato in The Virgin Suicides e nei suoi film successivi, ad esempio Maria Antonietta , Lost in Translation e Da qualche parte , è stata ripresa la finestra dell'auto (o della carrozza). Tutti mostrano persone che vengono portate da qualche parte ma senza rivelare dove e perché? È uno strumento di narrazione emozionante.
Andrea Arnold, Acquario (2009)
Sentirai spesso che il cinema di Andrea Arnold appartiene alla tradizione del "realismo sociale britannico", insieme a Ken Loach e Mike Leigh. Arnold, tuttavia, preferisce pensare al pubblico come a un'immersione nella vita delle persone, piuttosto che essere all'esterno e guardare dentro. Questo è qualcosa che ottiene attraverso il suo approccio alla regia.
Tanto per cominciare, Arnold mescola spesso attori e non attori. In Acquario , la protagonista dell'adolescente Mia è stata interpretata da Katie Jarvis, a cui è stata offerta la parte dopo che Arnold l'ha vista in attesa di un treno. Arnold sentiva che Jarvis incarnava Mia e si sentiva autentico alla sua visione. Ma Conor, il personaggio di cui Mia si innamora, è stato interpretato da Michael Fassbender.
Successivamente, Arnold preferisce girare in sequenza. Le piace il flusso organico che questo crea in un film e come consente agli attori di sviluppare i propri personaggi nel corso del progetto.
Arnold non tende nemmeno a bloccare scene o ideare un elenco di riprese. Anche le scelte delle lenti spesso possono essere dovute al caso. Ma lei preferisce la pellicola da 35 mm al digitale. Tutte queste scelte contribuiscono a creare la sensazione naturale che i suoi film descrivono la vita reale. Insieme al direttore della fotografia Robbie Ryan, Arnold riesce a immergerti nelle vite dei suoi personaggi. E proprio come le scene in cui Conor tocca Mia si svolgono in modo più liristico rispetto al duro morso della vita reale, è come se fossimo scivolati in un sogno ad occhi aperti.
Lynne Ramsay, dobbiamo parlare di Kevin (2011)
Mentre Lynne Ramsay ha sicuramente realizzato film che rientrano nella categoria "realismo sociale britannico", Dobbiamo parlare di Kevin fa un passo di lato da quello. Come dice Ramsay, non è un film realista, è un film "E se?".
Dobbiamo parlare di Kevin racconta la storia di Kevin, un ragazzo che va su tutte le furie omicida, e sua madre, Eva. Come ci si potrebbe aspettare, questo è un film profondamente inquietante e sconcertante, e tutto ciò che Ramsay e il direttore della fotografia Seamus McGarvey hanno messo insieme sullo schermo contribuisce a quel senso di terrore e terrore. È stato principalmente girato utilizzando una fotocamera da 35 mm su supporto Fujifilm con scene di flashback digitali.
Potresti non vedere mai sangue o sangue, ma il motivo rosso attraversa molto il film e il senso dell'orrore è creato psicologicamente con molta attenzione. Quando i bagliori luminosi vengono utilizzati per segnalare la violenza, ciò che rimane all'immaginazione è molto peggio di qualsiasi cosa possa essere mostrata sullo schermo.
Ramsay ha utilizzato il montaggio ellittico per raccontare la storia che in origine era un romanzo epistolare (sotto forma di lettere), con le scene di flashback che hanno un aspetto più piatto e morbido con meno colori di quelle ambientate nel presente. Per il momento, le primarie molto audaci – rosse, blu e gialle – contribuiscono all'intensità della storia, così come l'uso di inquadrature ravvicinate e di personaggi posizionati ai bordi opposti dell'inquadratura. È uno sguardo conflittuale, ma mette anche in evidenza la distanza tra loro.
Insieme alla colorazione intensa, il paesaggio sonoro è aspro, riflettendo lo stato mentale confuso e devastato di Eva. Il colore e il suono funzionano anche per aumentare la tensione per lo spettatore.
Infine, vale anche la pena notare le somiglianze visive tra Eva e Kevin. Naturalmente, non è insolito che i bambini assomiglino ai loro genitori, ma in questo contesto ti porta a riflettere su quanto il comportamento di Kevin sia natura e in che misura sia educato.
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Inizia subito il prezzo gratuito Amy Heckerling, Clueless (1995)
Quando pensi a 1995 di Amy Heckerling Clueless , potresti pensarlo come un classico del genere del liceo. Potresti ricordarlo per i suoi tormentoni stravaganti, la moda fantastica e la colonna sonora carina. Potresti anche ricordarlo per aver innescato l'era dei "classici raccontati" che ha portato a film come 10 cose che odio di te e Intenzioni crudeli . Ma c'è molto di più in questo e nel filmmaking di Heckerling.
Senza indizi è un archetipo del dramma di formazione che non rifugge dalla complessità delle relazioni, anche se raccontato a un ritmo vertiginoso e frenetico. C'è azione in sottofondo, azione in primo piano, narrazione e musica che accadono tutte contemporaneamente. Sarebbe facile che tutto fosse travolgente e che il pubblico volesse semplicemente allontanarsene. Ma in realtà, il caos è accuratamente coreografato e riflette chiaramente la vita di un adolescente. Questo porta realismo all'aldilà dell'educazione della protagonista Cher a Beverly Hills.
La vita di Cher e dei suoi amici è così privilegiata e sono così ignari delle loro circostanze fortunate che sarebbe facile provare disprezzo nei loro confronti. Invece, li ami. Gran parte di ciò è dovuto all'uso della voce fuori campo da parte di Herckerling. Spesso, ciò che senti dire da Cher è completamente in contrasto con le immagini sullo schermo. Ma è la sua sincerità e convinzione genuina nella situazione che ti conquista. Non è maliziosa; è adorabile.
Heckerling voleva Senza indizi essere tutto "scintillio e luccichio". A parte la sua antipatia per le scene poco illuminate dopo essere cresciuta in un appartamento buio nel Bronx, aveva visto così tanti registi dirigersi verso il look da Rembrandt con la loro illuminazione che voleva qualcosa di diverso. Insieme al direttore della fotografia Bill Pope, Heckerling ci ha dato proprio questo; ti portano in un mondo positivo pieno di luce e risate. E Senza indizi non avrebbe mai funzionato senza gli abiti, il design delle luci o la fontana che esplode sullo sfondo quando Cher finalmente realizza chi ama.
Greta Gerwig, Lady Bird (2017)
Lady Bird è pensato per sembrare un ricordo. Tuttavia, Gerwig non voleva che il suo debutto alla regia avesse l'aspetto banale della grana fuori dagli schemi o della messa a fuoco morbida che caratterizza la memoria. Voleva invece che il suo pubblico sentisse l'arco del boccascena e percepisse la magia della scatola luminosa del cinema. L'effetto che lei e il direttore della fotografia Sam Levy hanno evocato, utilizzando una Arri Alexa Mini con vecchi obiettivi Panavision e girati in 2K, somigliavano a pagine stampate che erano state poi fotocopiate o fotocopie di fotocopie. Sembra di guardare qualcosa in cui c'è una chiara perdita di qualità, ma non è esagerato.
Gerwig ha tratto maggiore ispirazione dalle foto di giovani donne di Lise Sarfati scattate nei primi anni 2000. La descrizione che ha guidato l'aspetto di Lady Bird era 'semplice ma delizioso'. Voleva che il set ei costumi fossero ricchi e a tutto tondo, ma non in modo da distrarre lo spettatore. Tutto è lì per contribuire alla persona del personaggio o alla storia stessa, ma niente ha lo scopo di farsi carico.
Infine, c'è il dialogo. È pensato per sentirsi "reale". I personaggi di Lady Bird parla con frasi che cambiano direzione, o in realtà non vanno da nessuna parte o non si fermano davvero. Ci sono interruzioni. È stato sceneggiato ma è stato sceneggiato per suonare come le persone conversano nella vita reale, non per suonare come la sceneggiatura di un film. Il focus di Lady Bird riguarda i personaggi e la loro storia; non è sul set o su una cinematografia appariscente. Riguarda la vita reale.